Universidad Nacional Daniel Alomía Robles
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En esta edición de la revista Rodolfo Holzmann, presentamos una variedad de artículos que potencian el conocimiento y el razonamiento sobre la música y sus diversas disciplinas. Los manuscritos compilados se logran articular en torno a la semiótica y la significación musical como un fenómeno naciente de intervención en los discursos musicales. Por otro lado, la recopilación de los cinco manuscritos presentes en esta edición extiende una temática diversa concentrada en la estructura propia de la música, así como en aspectos historiográficos desde una perspectiva artística y musical.
Derechos de autor 2025 http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Obertura peruana es una obra para orquesta sinfónica de carácter nacionalista, inspirada en el folclore musical de las tres regiones geográficas del Perú: costa, sierra y selva. Esta composición busca revalorar el patrimonio musical tradicional peruano a través de una propuesta académica contemporánea, que integra elementos melódicos, rítmicos y armónicos del acervo popular con técnicas propias de la escritura sinfónica.
Derechos de autor 2025 RODOLFO HOLZMANN http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Análisis histórico-musical de la Banda Real Internacional: estilo e impacto (1990-2020)
Este estudio analiza la evolución estilística y el impacto cultural de la Banda Real Internacional (BRI) de Huánuco, Perú, entre 1990 y 2020. El objetivo fue comprender cómo esta agrupación musical ha transformado su propuesta sonora a lo largo de tres décadas, en respuesta a cambios socioculturales y tecnológicos, y cómo ha contribuido a la identidad musical local y nacional. Se empleó un enfoque mixto con diseño secuencial exploratorio, iniciando con un análisis documental y entrevistas semiestructuradas a músicos vinculados a la BRI, seguido de encuestas a especialistas y oyentes. Los hallazgos evidencian una evolución progresiva en la estructura compositiva, la instrumentación y el lenguaje armónico, destacando la inclusión innovadora de voces y coros en géneros andinos. Asimismo, se identificó una sólida conexión con su audiencia y una influencia reconocida en otras agrupaciones del país. Se concluye que la BRI ha logrado equilibrar tradición e innovación, consolidándose como un referente musical regional y nacional. Su aporte ha sido clave en la revitalización del repertorio tradicional huanuqueño y en la formación de una identidad sonora contemporánea que valora lo propio sin renunciar a la experimentación.
La música del primer opening de Shingeki No Kyojin y su relación con la narrativa
Shingeki No Kyojin es un anime que presenta un contenido narrativo que, dentro de su complejidad, desarrolla una música comunicativa y significativa; y, para ser entendida, es importante visualizarla desde diversos enfoques. En ese sentido, este trabajo enumera una serie de pautas necesarias para entender la relación entre la música y lo audiovisual desde la perspectiva de la narrativa y las emociones en este anime. En primer lugar, se analiza y explica que la música tiene un fin comunicativo y discursivo, que no busca solo entretener, sino también dar un mensaje. En segundo lugar, se toma como ejemplo el primer opening de Shingeki No Kyojin y se delimitan los aspectos que hacen posible el análisis del tema: el contexto narrativo del anime, la letra de la canción, sus características musicales, las tonalidades que subyacen en ella y su desarrollo melódico. En tercer lugar, se enfatiza la importancia de la música en una historia y cómo cada uno de los aspectos anteriormente mencionados cumple un rol fundamental para que el fin comunicativo al que se quiere llegar sea posible. Finalmente, se determina que hay comunicación y mensaje, y que la música trasciende en su funcionalidad. Hay una comunicación interna, una retórica que se desarrolla desde el ámbito emocional y narrativo.
Zenén Abdón Vega Martel, el Quivillano: vida, obra y legado musical en el contexto del huayno huanuqueño
Este artículo tiene como objetivo analizar la vida, la obra y el legado musical de Zenén Abdón Vega Martel (1951-2021), conocido artísticamente como el Quivillano, figura representativa del huayno de la región de Huánuco, Perú. Mediante un enfoque de ensayo biográfico-musical contextualizado, se explora la trayectoria del artista desde sus orígenes en Quivilla y Tantamayo, pasando por su formación autodidacta influenciada por la figura paterna, hasta su consolidación profesional en Cerro de Pasco y Lima. Se abordan los principales aspectos de su carrera, tales como la creación del conjunto Los Huayruros de Llata, el surgimiento del nombre artístico con el cual fue conocido y la prolífica producción discográfica iniciada en 1974 bajo el sello El Virrey. También se examina su particular estilo interpretativo y compositivo, destacando el empleo de la guitarra con el temple conocido como Ocros y el análisis de temas emblemáticos, como Ocho libras mal gastadas, que alcanzó notable difusión nacional y generó hitos dentro de la carrera del cantautor, incluyendo disputas por derechos de autoría. Además, se discute el impacto alcanzado en la escena musical andina, sus colaboraciones con otros artistas y las particularidades de la recepción de su música. El ensayo concluye reafirmando la relevancia de Zenén Vega Martel como un «cantor del pueblo», cuyo legado perdura por ser parte fundamental del patrimonio sonoro y la identidad cultural del huayno huanuqueño, específicamente de la provincia de Huamalíes.
Prácticas interpretativas de la marinera y el huayno en Despedida recordando un adiós, para guitarra, de Francisco Pulgar Vidal
El presente trabajo aborda las prácticas interpretativas de Despedida recordando un adiós, para guitarra, del compositor huanuqueño Francisco Pulgar Vidal. Se realiza un análisis general de la pieza, con especial atención en la presencia del huayno y la marinera, abordando concisamente la historia y las características generales de estos géneros, así como su manifestación e interpretación en la obra. Se concluye que esta pieza combina gestos melódicos y rítmicos típicos del folklore peruano con técnicas de composición del siglo XX, y que el conocimiento de las prácticas interpretativas permite ejecutar una interpretación musical coherente.
Cultura, creatividad y música: un acercamiento a su revisión
El ser humano, en su contexto social, desarrolla procesos cognitivos para analizar, aplicar y crear, dando sentido a todo lo que le rodea, permitiéndole, a su vez, tomar decisiones y resolver problemas de forma divergente, dominar nuevas habilidades, conectar con sus emociones y ser partícipe de experiencias significativas. El objetivo de este artículo es analizar la interrelación entre teorías y perspectivas sobre cultura, creatividad y música, áreas fundamentales en nuestra época, con el fin de establecer un marco conceptual que pueda servir de base para futuras investigaciones. Este artículo se basa en la revisión sistemática de la literatura científica de los últimos doce años (2013-2024). Se indagaron fuentes a través de motores de búsqueda como Google Académico, en bases de datos como Latindex y Scopus, y repositorios institucionales de universidades. La selección incluyó artículos científicos y libros escritos en idioma español. Se abordaron las siguientes temáticas: i) la cultura como un sistema de valores, conocimientos, lenguajes, creencias, tradiciones, normas y actitudes; ii) la creatividad vista como un proceso mental (preparación, incubación, iluminación y verificación) extraordinario que implica originalidad, curiosidad, ingenio e inventiva; y iii) la música como manifestación cultural y expresión de sentimientos. Se propone que estos tres aspectos se vinculan intrínsicamente. La creatividad se manifiesta en las ciencias, las tecnologías y las humanidades; y la música desempeña un papel crucial como lenguaje universal que trasciende las barreras culturales y temporales. En síntesis, la cultura es creatividad; y la música, el lenguaje de los sentimientos.
Derechos de autor 2024 RODOLFO HOLZMANN http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Etnografía y análisis musical de la danza Tuy Tuy del centro poblado San Miguel de Querosh, distrito de Llata, Huamalíes, Huánuco
Esta investigación tiene como objetivo describir la situación actual de la danza Tuy Tuy y analizar los elementos socioculturales y musicales que la componen en el centro poblado San Miguel de Querosh, distrito de Llata, provincia de Huamalíes, región de Huánuco. Se adoptó un enfoque cualitativo con diseño etnográfico, realizando trabajo de campo presencial en distintos momentos festivos. La recolección de datos incluyó entrevistas semiestructuradas, observación participante y registros audiovisuales. La población abarcó músicos, danzantes, expertos y autoridades locales, con un muestreo intencional para obtener diversas perspectivas. Los hallazgos principales indican que la danza Tuy Tuy tiene su origen simbólico en la Guerra del Pacífico (1879), representando la resistencia cultural local. La danza se celebra principalmente durante las fiestas patrias (del 24 al 28 de julio), y conserva instrumentos musicales tradicionales, como la caja y el pincullo, aunque las coreografías han evolucionado. La danza refleja la identidad cultural y la historia de los habitantes de San Miguel de Querosh. Se concluye que es fundamental preservar esta tradición mediante programas educativos que fomenten la participación juvenil. Además, se recomienda investigar la influencia de la globalización en la práctica de la danza y su representación en otros contextos.
Mujer, tono y poesía en la canción huanuqueña
El presente trabajo académico es una reflexión y análisis crítico-literario de algunas canciones de la música tradicional huanuqueña. Resalta la centralidad de la mujer y la riqueza poética presente en los huaynos y otras expresiones musicales. Se destaca que estas composiciones no se limitan a ser simples piezas musicales, sino que incorporan referencias socioculturales, evocaciones de la geografía y la campiña huanuqueña, así como emociones que abarcan la ternura, la nostalgia y el humor. Un ejemplo significativo es Yo soy un Pillcomozo.
El aprendizaje musical en el desarrollo de la cognición
El aprendizaje musical ha sido ampliamente estudiado por su impacto en el desarrollo cognitivo, ya que la práctica musical involucra una interacción compleja entre diferentes áreas cerebrales. El objetivo de esta investigación explicativa es explorar cómo el aprendizaje de la música incide en el desarrollo de diversas funciones cognitivas, tales como la memoria, la atención y las habilidades espaciales. Los resultados obtenidos muestran que la formación musical, especialmente en la niñez, está asociada con mejoras significativas en la memoria de trabajo, la capacidad de atención y el razonamiento espacial. Los estudios también revelan que la práctica musical continúa en la adultez, en tanto contribuye a la preservación de las habilidades cognitivas, incluso en la vejez, lo que sugiere un efecto neuroprotector. Además, se observa que las personas con formación musical desde temprana edad tienden a tener un desempeño superior en tareas cognitivas en comparación con aquellas sin dicha formación. En conclusión, el aprendizaje musical no solo enriquece la educación artística, sino que también desempeña un papel crucial en el desarrollo y mantenimiento de diversas funciones cognitivas, haciendo de la música una herramienta valiosa en la educación y la salud cognitiva a lo largo de la vida.
Despega Music: vinculación y fomento de la i+e de la industria artístico-musical
La industria artístico-musical es un componente fundamental de la economía y de la calidad de vida de las personas. En un mundo caracterizado por el avance vertiginoso de la tecnología digital en esta industria, es indispensable fomentar el aumento de calidad de los profesionales, emprendedores y empresas, así como de sus capacidades en innovación y emprendimiento con un enfoque de sostenibilidad. Este estudio tiene por objetivo comparar los hallazgos, analizar el contenido de las fuentes citadas y evaluar el impacto del evento denominado Despega Music para fortalecer el sector artístico-musical. Mediante un análisis documental y comparativo, se identifican problemáticas, oportunidades de mejora, análisis del evento, así como la dinámica de interacción entre los actores de este sector. Finalmente, se proponen recomendaciones para potenciar su crecimiento a nivel local.
Ayawaska: composición narrativa adaptada para cuarteto de cuerdas
En el presente artículo muestro los aspectos principales del proceso compositivo que me llevaron a narrar de forma sonora diversas vivencias que experimenté en rituales de ayahuasca, y su consecuente adaptación al formato de cuarteto de cuerdas. El uso de texturas narrativas y efectos de ejecución instrumental forman parte de los elementos principales que presenta la obra. Ayawaska, tal como titulé a la composición, no solo pretende ser una innovación en el repertorio académico peruano, sino que su relevancia se extiende a la integración de las tradiciones amazónicas del Perú, dentro de contextos culturales donde se aprecia el valor de la música académica como parte fundamental en la vida de las personas. La estructura del presente artículo está engarzada en tres momentos: en primer orden, trato el asunto de las experiencias que dieron inspiración y origen de la composición; seguidamente, abordo lo que refiere a la composición original y la agrupación para la cual fue encargada la obra; finalmente, presento, a través de un enfoque técnico, los aspectos relacionados a la adaptación para el formato de cuarteto de cuerdas.
Obras de compositores peruanos escritas para percusión
En este artículo se presentan las obras de estreno mundial y nacional que la autora tuvo el privilegio de interpretar en percusión, gracias al apoyo y la oportunidad que me brindaron destacados compositores peruanos como Edgar Valcárcel (Puno) Francisco Pulgar Vidal (Huánuco) Jorge Luis Falcón Villanueva (Huánuco) Aurelio Tello Malpartida (Cerro de Pasco) y Douglas Tarnawiecki Mackillop (Lima). Aprendí mucho de los maestros al conversar con ellos y conocer el mensaje de sus obras. Me enseñaron a interpretar con carácter, amor y sobre todo a conocer y amar el Perú. Cabe destacar la presencia de compositores peruanos que han escrito también para percusión o percusión con otros instrumentos tales como Antonio Gervasoni, Álvaro Zuñiga, Benjamín Bonilla, Clara Petrozzi, Gonzalo Garrido-Lecca, José Sosaya, Jimmy López, Marco Oliveros, Nilo Velarde, entre otros y mencionar que en algunas de sus obras también he participado como percusionista.
Reseña del I congreso de música Huanuqueña
La iniciativa de llevar a cabo este Congreso surgió de una reflexión sobre la falta de espacios dedicados a la revaloración y preservación de la música tradicional huanuqueña, durante una reunión entre las autoridades de la Universidad y los docentes. El Presidente de la Comisión Organizadora, Dr. Benjamín Velazco Reyes, propuso la elaboración de un proyecto cuyo objetivo sería visibilizar y revalorizar nuestra cultura, con un enfoque en el ámbito musical. La propuesta fue aceptada con entusiasmo y compromiso, lo que llevo a la formación de comisiones por parte de los docentes, motivados por su identidad y espíritu como hijos de la muy noble y muy leal Ciudad de los Caballeros del León de Huánuco. Se organizaron temas representativos de las distintas localidades y zonas de la región. A esta iniciativa se unieron tambien los egresados de Instituto Superior Público Daniel Alomía Robles, así como reconocidas e ilustres personalidades de Huánuco, con el propósito de comunicar, intercambiar experiencias y proponer diversos aspectos relacionados con la música tradicional huanuqueña. Sin duda, un evento de esta magnitud ha generado un impacto positivo en la región y en su historia, resaltando la importancia de mantener viva la cultura, la música y el legado de nuestros antepasados.
Modos: Una aproximación personal a la composición para guitarra
Modos es una composición contrapuntística para guitarra que explora la dualidad tonal mayor-menor. Estructurada en forma A - A1 - A, la obra emplea un contrapunto a dos voces idénticas en canon, con la segunda voz ingresando una octava más baja. La pieza transita de sol mayor a sol menor, reflejando el contraste entre las energías “solar” y “lunar” tradicionalmente asociadas a estos modos. Escrita en compás de 12/8, la composición muestra influencias bachianas y requiere del intérprete una sólida independencia en la ejecución de las líneas melódicas. Este trabajo ejemplifica una aproximación contemporánea a técnicas compositivas clásicas, fusionando estructura formal, simbolismo modal y desafíos interpretativos en una obra de mediana complejidad técnica.
Maestro Gandhy Abraham Figueroa Olivares
Aunque de origen andino, pues nació en la hacienda agropecuaria de Taullin - hoy centro poblado de La Libertad, Amarillis, Huánuco - el 24 de julio de 1931, su existir, por genética y formación paterna está ligado a un amor inmortal por la música andina y la guitarra. Amalgama armoniosa de versos sentidos al ritmo de yaravíes, mulizas, huaynos, cashuas, chimayches, y el virtuosismo innegable en su interpretación mediante la guitarra -instrumento musical propio de la civilización grecorromana y heredad hispana en América-. Esta manifiesta simbiosis cultural entre lo andino y lo occidental, caracteriza su obra en el orden popular y académico. Su quijotesco trajinar por nuestra geografía regional y nacional interpretando música huanuqueña, nutrió su ser como compositor con alrededor de 50 melodías de temática que son el fruto del conocimiento y del amor por esta tierra. Encumbró nuestra música con talento y pasión. Estas registran historia, tradiciones, personajes, icónicos lugares, idiosincrasia, la mujer huanuqueña, amores y desamores, expresados con fino lirismo o jocosidad, recurriendo en este aspecto a voces inventadas por los huanuqueños de ayer y de hoy muy propios del habla popular. En su copiosa obra musical destacan las canciones: Ruge león y Amor campesino (letra David Machuca), Adiós cariño, La democracia, Distancia, Acuarelas huanuqueñas, La pistola (música), La tacrita, Soledad, Sueño de amor, Shagsha wallpa (recopilación), Niña shay, Cenizas, Alma peruana, Mis mundo, Huanuqueña hermosa. Son estas también las más interpretadas por las bandas y orquestas dentro y fuera de la región a solicitud del público.
Recursos pedagógicos de digitación en latex/musixtex: Estrategias para la enseñanza del Pinkullo Huanuqueño,Flauta Dulce, Quena y Saxofón
Esta investigación se enfoca en el desarrollo de recursos pedagógicos de digitación para la enseñanza del pinkullo huanuqueño, flauta dulce, quena y saxofón, utilizando LaTeX y MusiXTeX. El objetivo principal fue desarrollar un sistema de recursos pedagógicos de digitación en LaTeX/MusiXTeX para documentar y facilitar la enseñanza técnica de los instrumentos pinkullo huanuqueño, flauta dulce, quena y saxofón. La investigación adopta una investigación aplicada teniendo como producto el recurso pedagógico en LaTeX/MusiXTeX, diseñado específicamente para la enseñanza del pinkullo huanuqueño, flauta dulce, quena y saxofón, demostrando que estas herramientas digitales reducen el tiempo y esfuerzo para la producción de material educativo en la música.
Triciclo Perú e identidad nacional en tiempos de crisis política
La construcción de identidad nacional en los jóvenes es un proceso dinámico influenciado por diferentes aspectos, entre ellos, la música, tanto por las emociones como por el proceso reflexivo que genera en los agentes activos. Por ello, el estudio describe la identidad nacional de los universitarios entre 17 y 24 años del departamento de Piura apelando a la canción Triciclo Perú de la banda de rock alternativo Los Mojarras como parte de su objetivo utilizando como base la sociología de la música. Los resultados fueron obtenidos con la aplicación de una encuesta virtual a 410 estudiantes y evidencian su vigencia 30 años después de haber sido difundida puesto que el 68% la escuchó alguna vez y de este porcentaje, el 46% tiene entre 19 y 21 años. El 49% afirma que, al escucharla, siente orgullo cultural y el 21.5% se identifica con la estrofa referida a llegar a la cima sin importar el camino. Se concluye que el perfil de identidad nacional de la generación Z o centennials piurana está basado principalmente en el orgullo cultural. Asimismo, asume metas por las cuales deberá esforzarse y aplicar los recursos que disponga.
ORQUESTA SINFÓNICA REGIONAL, PATRIMONIO CULTURAL DE LA REGIÓN
Es imprescindible mencionar algunos datos que nos permitirán tener una idea de la magnitud de su aporte al Perú y particularmente a Huánuco. Rodolfo Holzmann Zanger nació en Breslau, Alemania, el 27 de noviembre de 1910. Llegó a Lima en 1938, contratado por el Supremo Gobierno del Perú como profesor de oboe, para la entonces Academia Nacional de Música Alcedo (que al año siguiente se convertiría en el Conservatorio Nacional de Música), e hizo su debut como solista de ese instrumento en un recital de la Sociedad Filarmónica. En la Orquesta Sinfónica Nacional, fundada ese año, ocupó una plaza de violín hasta 1945, fecha en que fue promovido al cargo de Asistente del Director Artístico por el maestro Theo Buchwald.
MÚSICA DE LA DANZA LOS NEGRITOSDE HUÁNUCO
Nuestra tierra huanuqueña es una ciudad con un desarrollo histórico social sui generis, con una vasta cultura tradicional, que constituye un ingrediente fundamental de la identidad de los pobladores, la cual es vital en el desarrollo de la personalidad de nuestros jóvenes y niños. Es sabido, además que en todos los pueblos de nuestra región existen muchas formas musicales así como diversas y hermosas melodías y danzas, algunas en situación de olvido e inclusive de desaparición, en la mayoría de casos por desconocimiento y falta de valoración; un claro ejemplo son las melodías de la Danza de los Negritos de Huánuco. Esta emblemática danza, constituye una expresión cultural viva, la más importante y representativa en la región y además simboliza nuestra identidad cultural, ligada a un acompañamiento de música tradicional, basada en hermosas composiciones melódicas instrumentales y en algunos casos cantadas por las cofradías de negritos. Dentro de este contexto, en las últimas dos décadas, las bandas de música solo interpretaban de tres a cuatro melodías tradicionales sin considerar las más de treinta que existirían, según afirman algunos entendidos, y en varias cofradías de negritos se danzaba solamente con una: la melodía popular del “Negrito Congo”.
El saxofón en el desarrollo de la música folklórica en la ciudad de Huánuco
Si hablamos de la música folklórica en la región huanuqueña, necesariamente tenemos que hablar de los instrumentos musicales de cuerdas como la guitarra, mandolina, violín, arpa y últimamente de los instrumentos de vientos de madera, que lograron la inserción en las diferentes agrupaciones musicales de nuestra ciudad, lo que permitió a través de los últimos tiempos, el desarrollo de la música folklórica en el valle del Huallaga, constituyéndose como un instrumento principal el saxofón. Nieves (2018), en su tesis El saxofón en el vals criollo: Una propuesta para la enseñanza - aprendizaje del saxofón dirigida a los estudiantes de la ENSF José María Arguedas, señala que: “[...]no existe datos exactos de la llegada del saxofón al Perú y mucho menos a la ciudad de Lima, pero los primeros datos sobre su presencia son del año 1869, Claudio Rebagliati instrumentó el Himno Nacional del Perú para banda con autorización de José Bernardo Alcedo, quien había retornado al Perú en 1864, tras vivir en Chile muchos años y donde incluyó el saxofón en 1869… El timbre del saxofón es delicado y enérgico lo que pudo haber llamado la atención de los músicos del centro por su versatilidad para poder adaptarla a su música tocada anteriormente con quenas. La quena tiene un vibrato natural y tal parece que ese estilo lo trasladaron al saxofón, es por ello que actualmente el estilo de tocar el saxofón en la zona central del Perú requiere muchísimo vibrato en la ejecución de una mulisa o un huayno”.
Fileno Almanzor Dávila Gabriel nació en la ciudad de Llata el 7 de enero de 1956. Pincullero, hijo de Fileno A. Dávila Castro y Nila Gabriel Ortiz. Sus estudios primarios y secundarios los realizó en la ciudad de Llata, en la Escuela pre vocacional de Varones EPV Nº 381 y en el Colegio Nacional Víctor E. Vivar, respectivamente; sus estudios superiores fueron en el Instituto Superior Pedagógico Marcos Durán Martel. Asimismo, realizó estudios de Maestría en Investigación y Docencia Superior en la Universidad Nacional Hermilio Valdizán de esta ciudad y Doctorado el La Universidad de Huánuco. También ha cursado una segunda especialidad en Problemas de Aprendizaje en la Universidad Nacional de Educación Enrique Guzmán y Valle.
Para quienes tuvimos la suerte de conocer al Maestro Rodolfo Holzmann Zanger y sobre todo, beber de la fuente de sus conocimientos, sin temor a equivocarnos, podemos afirmar que su partida física de este mundo aquel aciago 24 de abril de 1992 significó una irreparable pérdida para la música, la cultura y consecuentemente la humanidad entera, toda vez que una enorme personalidad como la que él representaba nos dejaba para siempre, y con ello se acababa una vida de nobles ideales y fructífera labor puesta al servicio y búsqueda de una sociedad cada vez mejor. Sus sabias enseñanzas marcaron inequívocamente cuál era el camino a seguir; si bien la disciplina, exigencia y perfección lo caracterizaban, es justo reconocer que, gracias a estos principios, los que supieron acoger, valorar y poner en práctica estas lecciones de vida hoy cosechan los frutos de la semilla sembrada por este gran maestro.
El waqrapuku de Parinacochas, Ayacucho, patrimonio cultural de la nación
El presente trabajo trata sobre el waqrapuku, aerófono andino que se maniﬁesta en los ritos y festividades relacionados al ciclo vital de los vacunos, como la herranza o vacahierruy (fertilidad, reproducción, continuidad) y corrida de toros o turupukllay (muerte) 1 . A través del estudio de este original instrumento, de sus antecedentes y de sus diferentes procesos históricos, de sus cultores, de los contextos en los cuales se maniﬁesta, de su continuidad, evolución, cambio y permanencia, así como del abordaje de sus particularidades morfológicas y acústicas, queremos resaltar y poner en valor sus cualidades y sustentar su declaratoria individual como Patrimonio Cultural de la Nación. En 2013 el Ministerio de Cultura, mediante la Resolución Viceministerial 072-2013-VMPCIC-MC estableció: “Declarar Patrimonio Cultural de la Nación al instrumento musical conocido como waka waqra, waqra o waqrapuku, por ser uno de los aportes más importantes a la cultura musical del país”, pero lo que se hizo mediante esta declaratoria es englobar a todas las trompetas de cuerno del país, de manera general, sin considerar las particularidades que ellas tienen en sus distintos contextos de expresión, además de estar asociadas a sus propias tradiciones, quizá similares, pero evidentemente no compartidas. En lo que respecta al waqrapuku de Parinacochas, por sus características culturales, organológicas y acústicas diferenciadas (como de hecho lo es en los otros casos), le corresponde un reconocimiento singular que guarde relación con dichas peculiaridades.
Derechos de autor 2023 RODOLFO HOLZMANN http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
DANZA MAMA RAYWANA:LEYENDA HISTÓRICO MUSICAL
Una de las manifestaciones culturales más importantes por su antigüedad, signiﬁcado y el contexto que le rodea, viene a ser la danza Mama Raywana que se baila en Huánuco y Pasco, extendiéndose al norte de Lima (Cajatambo). Se trata de una leyenda histórico musical muy antigua relacionada con el origen de la papa y otros productos alimenticios del mundo andino. Reconocidos estudiosos que nos han antecedido, reﬁeren que está basada en el mito y proceso abundancia – hambruna - prosperidad - posible hambruna. Su representación, según el lugar donde se lleva a cabo, muestra características propias en cuanto a sus lenguajes simbólicos, coloridas vestimentas, coreografías con virtuosismos individuales y colectivos, al ritmo y compás de las músicas que los acompañan; existiendo diversas versiones de la manifestación en vivo, los mitos que las sustentan y la cosmovisión de cada área poblacional. En el presente trabajo se aborda la versión cultivada en la provincia de Pachitea (Huánuco).
Las Tradiciones espirituales de todos los tiempos y latitudes han expresado a través del arte la concepción de su mundo, el conocimiento del hombre y el universo, la cosmovisión en la que se enraíza su cultura. Es la búsqueda que ha interrogado a la humanidad en su paso por la tierra y que se reﬂeja, como incógnitas vivas, en la compleja conﬁguración de sus mitos con su arte, su música y sus textos sagrados. El arte sagrado se maniﬁesta en todas las Tradiciones del mundo como un arte de evocación de lo invisible a través de la transﬁguración de lo visible. Por este motivo, la concepción del arte sagrado está rigurosamente establecida en los principios y reglas que se requieren de una construcción capaz de sumergir y de proyectar al que lo contempla en esa realidad invisible, arquetípica, inasible a los ojos, a los oídos de la carne.
Nuevas y no tan nuevas noticias sobre el charango
Desde hace dos décadas vengo estudiando los discursos sobre el origen del charango. A diferencia de las y los colegas que me han precedido en esta tarea, mi interés no se ha dirigido a establecer cuál es el origen indiscutible del instrumento, sino sacar a la luz las agendas políticas que tales discursos esconden. Como he sostenido en otro lugar, solemos imaginar el origen de un instrumento como si se tratara del nacimiento de una persona o un invento tecnológico, es decir, como un acontecimiento con fecha y hora ﬁja (Mendívil, 2016: 99). Pero los instrumentos musicales no son personas ni marcas registradas; estos se forman a través de extensos procesos de experimentación a lo largo del tiempo y el espacio, por lo cual insistir en un origen único es, por decir lo menos, ingenuo. La conformación de un instrumento musical tampoco se detiene. Bastaría comparar las técnicas de construcción de charangos como lo hace Federico Tarazona (2018: 209–210) para concluir que aquellas de principios del siglo XX diﬁeren sustancialmente de las que se usan en la actualidad y que evidencian una fuerte inﬂuencia de las formas de construcción de la guitarra moderna. Otro mito relacionado con el origen del charango es la ilusión de que este se restringe a una sola región o a una sola ciudad. Esta idea errónea parte del supuesto de que todo instrumento aparece solo una vez en la historia. Pero los instrumentos musicales, como los seres humanos que los construyen y los ejecutan, suelen migrar y transformarse a lo largo de su peregrinaje. ¿Por qué entonces pensar que hubo una cuna del charango y no muchas? ¿No sería más adecuado pensar que diferentes tipos de charangos se constituyeron mientras recorrían extensas rutas sudamericanas?
RESEÑA DEL I CONGRESO INTERNACIONALDE ETNO Y ARQUEOMUSICOLOGÍA: HACIA UNPARADIGMA INTERDISCIPLINARIO EN AMÉRICA
En conmemoración de los 200 años de la proclamación de la Independencia del Perú, la Universidad Nacional Daniel Alomía Robles (UNDAR) y la Licenciatura en Música Autóctona, Clásica y Popular de América de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) de Argentina organizaron un evento académico para debatir y explorar campos interdisciplinarios que examinen la relación entre la música, la cultura y el pasado humano en el continente americano. Por un lado, la etnomusicología, según nos relata Bohlman P. (1988), es el estudio de la música en el contexto de la cultura, donde la música es entendida no solo como sonido, sino también como un proceso cultural. Por otro lado, la arqueomusicología, como nos indica Hickmann (2017), es la investigación de la música en el pasado humano mediante el análisis de instrumentos musicales, representaciones visuales de música y otros artefactos relacionados con la música encontrados en contextos arqueológicos.
PERSPECTIVA EDUCATIVA DE LA MÚSICATRADICIONAL HUANUQUEÑA
El Currículo Nacional de Educación Básica, hace referencia al desarrollo del perfil de egreso, manifestando que debe ser logrado por la persistencia del trabajo educativo de los docentes y la familia quienes, orientados siempre por los fundamentos de los enfoques transversales los que, impregnan de particularidad a los diversos procesos pedagógicos. Según este documento curricular los enfoques transversales son los que “aportan concepciones importantes sobre las personas, su relación con los demás, con el entorno y con el espacio común y se traducen en formas específicas de actuar, que constituyen valores y actitudes que tanto estudiantes, maestros y autoridades, deben esforzarse por demostrar en la dinámica diaria de la escuela” (DCBN, 2016, p. 19) Esta precisión, automáticamente infiere que en el trabajo cotidiano de los docentes se debe hacer posible la construcción de los valores bajo el marco de los enfoques transversales que dan significado y valoración al desarrollo de las competencias, brindando a los estudiantes diversas oportunidades de reflexión, diálogo y discusión sobre temas cotidianos relacionados al contexto educativo.
La historia musical de España desde el siglo XIV en adelante está marcada por la guitarra y sus variantes. Esta tendencia forma parte de la gran corriente organológica centrada en instrumentos de cuerda que opera en Europa desde muy antiguo, y cuya historia conocemos principalmente por Grecia y Roma, y antes aún en Medio Oriente en el 3500 a. C., donde aparecen los primeros laúdes y arpas (Braun 2000, Meshkeris 2000) 2 . En Europa este acervo organológico eclosiona a fines de la Edad Media y durante el Renacimiento con innumerables instrumentos de cuerda, principalmente de la familia del violín, los instrumentos de teclado, el laúd y la guitarra. A partir del siglo XIV los distintos sectores de Europa se van especializando dentro de este panorama organológico, y España lo hace con la vihuela y la guitarra, ambos caracterizados por su cuerpo en forma de caja, diferenciándose así del resto de Europa, que cultivaban más el laúd de cuerpo abombado (Millward, 2012: 251).